SADISMO ORAL Y LA PERSONALIDAD VEGETARIANA

Karl Haendel

SADISMO ORAL Y LA PERSONALIDAD VEGETARIANA

Museo de Arte de El Salvador - Programa MARTE Contemporáneo

12 de diciembre de 2013 al 9 de febrero de 2014

“Desde el año 2000, he estado incrementando un archivo de diapositivas de 35 mm; todas ellas son fotografías que tomé (generalmente en un soporte para hacer copias) de imágenes, textos y objetos; cada uno de ellas se convierte en un "potencial" dibujo (la expresión gráfica por la que soy más reconocido). A la fecha, he reunido aproximadamente 10,000 diapositivas. Hace unos 6 años, mi asistente y yo comenzamos a clasificarlas (hay quizá 200 categorías y sub-categorías) y archivarlas,  recientemente me di cuenta que estas diapositivas de alguna manera cuentan mi historia como artista, coleccionista, editor, e incluso describen mucho de mi personalidad. He adjuntado la lista de categorías y se darán cuenta de lo que quiero decir. Leyendo esta lista, ustedes pueden conocer, de cierta manera objetiva y distante (y posiblemente divertida), lo que constituyen mis preocupaciones. Creo que también les dice algo acerca de cómo transitar en un mundo desordenado con demasiada información, y cómo la vida llega a tener sentido, y en última instancia significado, en medio de esta situación. Estas imágenes trascienden los intereses y gustos, convirtiéndose en documentos sobre opciones y valores. Cómo al ser parte de una cultura, el hecho de construir significados está en el centro de mi trabajo, y este archivo de diapositivas muestra cómo en la última década he tratado de hacer esto por mí mismo”.

“La exposición consiste en un espacio obscuro lleno de proyectores de diapositivas (en soportes, sobre el piso, montados en el cielo falso) todos programados en avance automático de imágenes. Cada proyector muestra una secuencia selecta de éstas (cada uno tiene capacidad para 80 dispositivas) que han sido extraídas de mis archivos. No es una selección al azar o exhaustiva, sino una selección editada que intenta establecer conexiones entre diferentes tipos de categorías o imaginería. Por consiguiente, no hay una secuencia de imágenes sobre Bob Dylan o Charlie Chaplin, ambas pueden estar en la misma secuencia de las categorías “boxers”, “caballeros” y “políticos”. Entonces esta secuencia, por ejemplo, llegaría a terminar en algo cercano a masculinidad, bravuconería, poder, influencia y “tipos”. O puede haber una secuencia dedicada a diferentes tipos de textos, u otro focalizado en materiales y superficies, o sobre aspectos de historia, etc. contando con un total de 14 proyectores, cada uno con su propio tema. Con estos proyectores mostrando 80 diapositivas cada uno, se cuenta con más de 1,000 imágenes proyectándose. El avance de los aparatos no se ha sincronizado (estos se programan a diferentes velocidades) por lo que se producen cerca de un millón de posibles combinaciones de imágenes, generando relaciones de éstas en constante cambio. Todas juntas parecen un “revoltijo”, lo cual es algo intencional”.

Karl Haendel

Karl Haendel nació en 1976 en Nueva York, actualmente reside y trabaja en la ciudad de Los Ángeles. Obtuvo en la Universidad Brown (Providence) su licenciatura en Semiótica e Historia del Arte (1998) y su Maestría en Bellas Artes en el 2003 en la Universidad de California en Los Ángeles; tres años después realizó una muestra exclusiva de su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de esta ciudad, totalizando a la fecha 22 exhibiciones individuales. Su obra se ha mostrado en exhibiciones colectivas en países de Europa, Asia y América y se encuentra representada en colecciones de importantes instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Guggenheim y la Colecciòn JUMEX (México), entre otras.

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder-Frech y

el Comité MARTE Contemporáneo

Efectos cruzados

SANDRA MONTERROSO

Efectos cruzados

17 de enero al 17 de marzo de 2013

EFECTOS CRUZADOS

¿Todo lo sólido se desvanece en lo líquido?

"La única certeza es la incertidumbre".

Zigmunt Bauman

Con la exposición Efectos Cruzados, la trayectoria artística de la guatemalteca Sandra Monterroso reconoce un punto de llegada, pero a la vez una interacción de múltiples connotaciones con respecto a inquietudes y búsquedas suyas anteriores. Si las intenciones comunicativas de Sandra Monterroso han sido recurrentes desde el comienzo de su actividad  artística en torno al uso de medios como la performance, el video o la instalación -pero también el interés por el dibujo o la presencia de la gráfica en un sentido amplio- en Efectos Cruzados casi todos esos  lenguajes están presentes, pero de una manera híbrida, como reivindicando su presencia, pero a la vez evidenciando  una cierta  disolución, muy a tono con las direcciones mismas de la muestra. 

Si las temáticas y uncupaciones que ha abordado Sandra Monterroso han estado marcadas por los re juegos y negociaciones en torno a la identidad y sus condicionantes (del universo femenino a lo social e íntimo, de lo cultural a lo político, de la contemporaneidad a lo ancestral, de la memoria al deseo), en las particulares condiciones del  contexto guatemalteco; en Efectos Cruzados,  sin perder esa necesaria condición contextual, de reflexión in situ, sus inquietudes se expanden hacia un ámbito donde lo local interactúa con lo global, lo personal con lo social y cultural, pero a la vez desplazándose a un espacio más íntimo, hacia un lugar más introspectivo marcado por las incertidumbres y preguntas, antes que las certezas o respuestas precisas.      

Los diferentes elementos simbólicos y formales que Sandra Monterroso se propuso trabajar en su muestra, la llevaron más allá de ese carácter “líquido” que propone el filósofo Zigmunt Bauman, para enfatizar en esa condición inasible, fugaz, efímera  que se percibe en las relaciones sociales y humanas actuales. De tal modo, que la interacción de elementos naturales como el agua y el cuerpo con respecto a otros materiales físicos -hilos, tubos y plásticos - industriales o artesanales, se transforman aquí bajo el efecto de ese “líquido”, en el momento mismo del montaje de la exposición. 

En el caso de Efectos Cruzados, los procesos de desteñimiento-degradación, se refieren a cierta expoliación, otorgando ambigüedad en las piezas, en términos de una apropiación cultural violenta. Además el amarillo aquí representa el Sur, en tanto elipsis a través de la cual se expresan las connotaciones indirectamente geopolíticas de la muestra.

Ernesto Calvo

Curador

Sandra Monterroso (Guatemala, 1974). Se graduó de la licenciatura en diseño gráfico en la Universidad Rafael Landívar (2000) y obtuvo una maestría en procesos de diseño en la Universidad Popular Autónoma de Puebla de México (2007). Cuenta con seis exhibiciones individuales de su obra y más treinta muestras colectivas. Ha recibido las siguientes distinciones: en la Subasta de Arte Latinoamericano Juannio, 3er. lugar (2011) y Mención Honorífica (2006); en la Bienal de Arte Paiz,  Mención Honorífica (2008) y 1er. Premio Glifo de Oro (2006); además recibió el 1er. Premio en el Concurso Centroamericano de Videocreaciòn “Inquieta Imagen” del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica (2004) y en el 1er Salón Nacional de Grabado de Guatemala (2005).

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por

Mario Cáder-Frech y el comité MARTE Contemporáneo

El entierro del Conde de Orgaz

MUSEO DE ARTE DE EL SALVADOR

PROGRAMA MARTE CONTEMPORÀNEO

Presenta:

MARIO SANTIZO

 "El entierro del Conde de Orgaz"

7 de septiembre al 14 de octubre de 2012

Mario Santizo (fragmento). 

Escenificar es una de nuestras mejores dotes. Perpetuamos con naturalidad lo que hacían artistas del barroco: Decorar tumbas e iglesias sin importar el credo. Escenificamos los banquetes, los vestidos, los peinados y los pasteles de 15 años como actividad ritualística. La retórica de políticos y poetas del paisaje nacional llegan a alcanzar tonos y adornos semejantes a los de los platos de fiambre. Si ambicionamos un proyecto moderno o -en fin- posmoderno es imposible imaginarlo sin la vigencia del frenesí religioso, los cuerpos crucificados, el drama apocalíptico y el recuento de nuestras altas y bajas pasiones. Dicen que donde no hay nada, nada puede ser despilfarrado.

Todo lo anterior es el mejor marco para situar una obra como la de Mario Santizo. Ésta horroriza, saca crucifijos o incomodidades morales de todos los colores. Altera las conciencias de las personas buenas, lo cual generalmente está a un paso de su fascinación. O porque, encontrarse frente a sus espectaculares montajes digitales, es como ver una versión japonesa de la Pasión de Cristo sin subtítulos.

Rosina Cazali

Mario Santizo, Guatemala, 1984. Bachiller en artes plásticas con especialidad en pintura. En el 2004 participó en la primera exhibición colectiva Carne, sopa y galletas, un año más tarde realizó Padre barroco y el flemático hombre banda en el Instituto Guatemalteco Americano (IGA) y participó en la obra teatral “Pieza” en dos actos en la galería El Ático. En el 2006 participó en el certamen organizado por Helvetas, donde obtiene una Mención Honorífica, al año siguiente realiza su primera exposición individual Cajas en la Galería El Ático y en 2008 obtiene la Mención Artista Grabador menor de 25 años en el II Salón Nacional del Grabado y Tercer Lugar en el Certamen Juannio. En el 2010 participó en la X Bienal de Cuenca en Ecuador, la Bienal de Arte Paiz y Foto 30; es fundador del colectivo Mala Vibra Social Club.

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder-Frech y

el Comité MARTE Contemporáneo.

Sacro

Museo de Arte de El Salvador

Programa MARTE Contemporáneo

Presenta:

NADIE

"Sacro"

7 de septiembre al 14 de octubre de 2012

Con recortes de las siluetas de jugadores de fútbol sacadas de pósters y de fotografías de las secciones de deportes de los periódicos, Nadie crea un mural de collages en el que la acumulación de estas figuras evoca de lejos un fresco barroco de arte religioso. A partir de esta idea, se encuentran similitudes (muy obvias y comentadas) entre la religión y los fanáticos del fútbol: ambas despiertan pasiones multitudinarias, masivas; congregan miles de personas en un solo recinto y crean rivalidades entre contrarios; en el campo de la iconografía, en ambas se encuentran figuras suspendidas en el aire (ya sea por gracia divina o para impedir un gol), rostros con expresiones intensas, extremidades en poses angulosas, pliegues y colores primarios en la vestimenta, posibilidad a lecturas eróticas por las interacciones que se representan, entre otras. En este ejercicio de comparación, es curioso observar cómo a los futbolistas se les atribuyen capacidades extrahumanas, casi súper poderes un poco más creíbles que aquellos atribuidos a los santos que se representan en el arte católico.

Nadie es Javier Ramírez, El Salvador, 1985. Escritor y artista visual. Tiene publicado el poemario “Aun los espacios vacíos tienen aire”, ganador del concurso literario Gallo Tapado del Centro Cultural de España en El Salvador (CCESV), 2009. Obtuvo el tercer lugar en el XI Arte Joven por la obra Naturaleza muerta, creada en conjunto con Efraín Caravantes; participó en Managua y San Salvador de 2010 Poetas por km² - Poético festival organizado por Arrebato Libros de España y tuvo la exposición individual de fotografía Nadie, parte del festival Esfoto 10, en el café La Rayuela, 2010. En 2011 obtuvo la Residencia Artística para Creadores de Iberoamérica y Haití en México del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en la rama de Letras. En 2012 formó parte de la muestra Esto no es una de-generación:¿arte joven en El Salvador? curada por Ernesto Calvo y realizada en La Casa Tomada.

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder-Frech y

el Comité MARTE Contemporáneo.

Flores y Espinas

Museo de Arte de El Salvador

Programa MARTE Contemporáneo

Presenta:

"Flores y Espinas" 
Un beso del cielo en los jardines del vicio

 19 de abril al 17 de junio de 2012

Flores y Espinas es una exhibición que surge de una invitación a decodificar, a indagar y a opinar sobre temas que son eternos. Aquí los artistas participan con sus obras –no como espectadores sino como protagonistas- dentro del espacio que les ofrece el artista franco-salvadoreño Ahtzic Silis y el Museo de Arte de El Salvador.

En la convocatoria para participar en esta muestra se invitó a los artistas plásticos salvadoreños y de otras nacionalidades a enriquecer este capítulo de Flores y Espinas, otorgándoles una entera libertad estética, técnica y discursiva en sus acercamientos e interpretaciones a los temas que circundan la exposición.

Un requisito de la convocatoria es el formato de las piezas: 7 x 7 cm, y otro, la cantidad de cinco de éstas como mínimo. Si el participante colabora con más de cinco piezas, la cantidad debe corresponder a un múltiplo de cinco; todas éstas son expuestas junto a la serie inicial.

Al término de la exposición, las obras serán mostradas  en otros espacios que la acojan como parte integrante de los mismos y como constancia del diálogo establecido; igualmente serán expuestas, de manera permanente, en la galería de Ahtzic Silis en la ciudad de Lyon (Francia) y en la página web dedicada al proyecto.

Ahtzic Silis nació en El Salvador el 20 de noviembre de 1972, conoció la ignominia de la guerra civil que minó su país y luego la frágil paz que aún continúa desarticulada; él abandonó su país, debido a la falta de cohesión de los artistas y de iniciativa de las instituciones salvadoreñas, y decidió ir al encuentro de otros pueblos, de otras culturas, de otras técnicas. Comenzó su viaje por Centroamérica, después México, Turquía y finalmente Francia, donde vive y trabaja desde hace algunos años.

Escala de Valores

WALTERIO IRAHETA

Escala de Valores

26 de enero al 8 de marzo 2012

El desarrollo de la obra de Walterio Iraheta  se ha orientado, casi desde el inicio de su carrera, al trabajo con nuevos  lenguajes. El pertenecer a la primera generación de artistas salvadoreños que se asumieron a sí mismos como “contemporáneos”, sin duda le ha otorgado un sentido de responsabilidad como actor en un nuevo escenario regional. Este sentido le ha impulsado y permitido  la experimentación con nuevas formas de expresión, no es esta la primera vez que este artista se reinventa, y estamos positivos, que no será la última.

La obra de Walterio reflexiona sobre algunos aspectos esenciales de nuestra sociedad, de nuestro diario vivir y de lo que parece ser, la inmanencia de situaciones ineludibles y amenazantes que nos afectan.

El factor estético, el orden y la limpiezahan sido  característicos de su  trabajo; ahora el artista ha querido introducir el elemento numérico, la idea de cuenta, de medida y de cálculo, de algún modo haciendo referencia a las estadísticas en relación a la violencia,  pero también a lo difícil que puede ser modificar patrones de conductas antisociales. Como medio, se vale de objetos cotidianos cuidadosamente dispuestos, que adquieren nuevos significados cuando se altera su contexto.

Sus piezas con degradaciones tonales ya sea en colores, o  monocromático, pueden leerse como metáforas de tolerancia: una reflexión sobre el respeto a las ideas, creencias o prácticas que nos pueden resultar ajenas. En una sociedad que ha permanecido polarizada por demasiado tiempo, parece que los nuevos discursos quieren desvincularse de ciertos patrones y tomar caminos alternos, más acordes a las realidades de nuestro tiempo.

Rodolfo Molina

Enero de 2012

Mesoparasitio

Museo de Arte de El Salvador (MARTE)

MARTE Contemporáneo

Presenta:

“Mesoparasitio” por Patricia Villalobos

21 de julio al 25 de septiembre de 2011

Mesoparasitio <13°41'33"N 89°14'30"W> forma parte de una serie de instalaciones in-situ que invaden el espacio de exhibición con múltiples elementos adheridos a sus paredes. El título combina dos palabras: mesoparásito y sitio. La primera se refiere al tipo de parásito que vive parcialmente incrustado en su huésped, o entre dos espacios, y la segunda alude a la acción de sitiar o asediar. El título apunta a las coordenadas generales del Museo de Arte de El Salvador como espacio expositivo y que sirve de huésped a estos elementos camuflados.

La instalación consiste de cientos de esculturas en poliestireno y una composición de audio. Las esculturas hacen referencia a brotes o erupciones de diversos tamaños y formas, algunas híbridas o ajenas y otras más familiares. El audio es ambiental y compuesto por grabaciones y sonidos digitales, cuyo origen oscila entre la abstracción y sonidos representativos de tiros, helicópteros, etc., que han sido alterados para crear, junto con las esculturas, un espacio de contemplación. La obra continuamente juega entre lo interior y lo exterior, lo ajeno y lo familiar, y lo palpable y lo invisible

La instalación examina situaciones o elementos aparentemente inofensivos pero simultáneamente dañinos, relaciones de poder y dependencia y sistemas de movimiento latente que pasan desapercibidos y gradualmente transforman toda una entidad. De cierta manera las paredes se convierten en metáforas de sitios de infección o contaminación donde se cuestiona cuál es el agente nocivo y cuál es el asediado. Las esculturas han sido colocadas y agrupadas con cierta referencia a patrones de conflictos globales actuales. La obra sugiere un continuo estado de transición, de maleabilidad y de movimiento constante, que refleja nuestra condición contemporánea.

Patricia Villalobos Echeverría

Patricia Villalobos Echeverría nació en Tennessee de padres salvadoreños y creció en Managua, Nicaragua, recibió su maestría de la Universidad de West Virginia (1990) y su licenciatura de la Universidad de Luisiana (1988). Recientes exhibiciones individuales incluyen Outbreak en el Pittsburgh Center for the Arts, Pittsburgh (2010); Aguasmalas (Blackwaters) en MediaNoche, Nueva York (2008); Aflujo-Afflux en Artist Image Resource, Pittsburgh y Laura Mesaros Gallery, Morgantown, West Virginia, (2006); Alamar (Asea) en PROYECTO’ACE, Buenos Aires (2006) y Hoverings en Artist Image Resource, Pittsburgh.

Su obra ha sido incluida en varias exhibiciones, entre las cuales se mencionan la VII Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano en Managua (2010); I Trienal Internacional del Caribe (2010); IV Bienal de Splitgraphic, Split, Croacia, (2009); Gestures 13 en el museo Mattress Factory, Pittsburgh (2009); Transfer Lounge en Forja Arte Contemporáneo, Valencia y en la galería SPACE, Pittsburgh (2009); Estrago Ecológico en la Universidad Centro Americana –UCA- Managua (2009); Imprint 2008: Trienal Internacional de Artes Gráficas, Varsovia; y la 3ra Bienal Internacional del Libro del Artista, Alejandría, Egipto (2008).

La práctica híbrida de grabado, fotografía, video, múltiples e instalaciones que es desarrollada por la artista explora formas reproducibles de representación que alteran nuestras nociones de singularidad. Sus instalaciones juegan con la tensión entre la tridimensionalidad de la escultura y la arquitectura, así como exploran la naturaleza efímera del video y sonido. Sus obras examinan relaciones de poder y dependencia a través de esculturas que invaden el espacio arquitectónico así como en videos que posicionan al cuerpo dentro de un contexto político y transnacional. De esta manera, su obra cuestiona nuestro sentido de estabilidad y como el tiempo pudiese parecer suspendido al entrar y salir de espacios en estado de fluctuación – algunos geográficos, otros virtuales, apuntando a un estado concurrente de disolución (disociación) e híper-encarnación.

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder-Frech y

el Comité MARTE Contemporáneo.