MARTE Contemporaneo

Mesoparasitio

2011-07-07T12:12:00.000-06:00

Museo de Arte de El Salvador (MARTE)

MARTE Contemporáneo

Presenta:

“Mesoparasitio” por Patricia Villalobos

21 de julio al 25 de septiembre de 2011

Mesoparasitio <13°41'33"N 89°14'30"W> forma parte de una serie de instalaciones in-situ que invaden el espacio de exhibición con múltiples elementos adheridos a sus paredes. El título combina dos palabras: mesoparásito y sitio. La primera se refiere al tipo de parásito que vive parcialmente incrustado en su huésped, o entre dos espacios, y la segunda alude a la acción de sitiar o asediar. El título apunta a las coordenadas generales del Museo de Arte de El Salvador como espacio expositivo y que sirve de huésped a estos elementos camuflados.

La instalación consiste de cientos de esculturas en poliestireno y una composición de audio. Las esculturas hacen referencia a brotes o erupciones de diversos tamaños y formas, algunas híbridas o ajenas y otras más familiares. El audio es ambiental y compuesto por grabaciones y sonidos digitales, cuyo origen oscila entre la abstracción y sonidos representativos de tiros, helicópteros, etc., que han sido alterados para crear, junto con las esculturas, un espacio de contemplación. La obra continuamente juega entre lo interior y lo exterior, lo ajeno y lo familiar, y lo palpable y lo invisible

La instalación examina situaciones o elementos aparentemente inofensivos pero simultáneamente dañinos, relaciones de poder y dependencia y sistemas de movimiento latente que pasan desapercibidos y gradualmente transforman toda una entidad. De cierta manera las paredes se convierten en metáforas de sitios de infección o contaminación donde se cuestiona cuál es el agente nocivo y cuál es el asediado. Las esculturas han sido colocadas y agrupadas con cierta referencia a patrones de conflictos globales actuales. La obra sugiere un continuo estado de transición, de maleabilidad y de movimiento constante, que refleja nuestra condición contemporánea.

Patricia Villalobos Echeverría

Patricia Villalobos Echeverría nació en Tennessee de padres salvadoreños y creció en Managua, Nicaragua, recibió su maestría de la Universidad de West Virginia (1990) y su licenciatura de la Universidad de Luisiana (1988). Recientes exhibiciones individuales incluyen Outbreak en el Pittsburgh Center for the Arts, Pittsburgh (2010); Aguasmalas (Blackwaters) en MediaNoche, Nueva York (2008); Aflujo-Afflux en Artist Image Resource, Pittsburgh y Laura Mesaros Gallery, Morgantown, West Virginia, (2006); Alamar (Asea) en PROYECTO’ACE, Buenos Aires (2006) y Hoverings en Artist Image Resource, Pittsburgh.

Su obra ha sido incluida en varias exhibiciones, entre las cuales se mencionan la VII Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano en Managua (2010); I Trienal Internacional del Caribe (2010); IV Bienal de Splitgraphic, Split, Croacia, (2009); Gestures 13 en el museo Mattress Factory, Pittsburgh (2009); Transfer Lounge en Forja Arte Contemporáneo, Valencia y en la galería SPACE, Pittsburgh (2009); Estrago Ecológico en la Universidad Centro Americana –UCA- Managua (2009); Imprint 2008: Trienal Internacional de Artes Gráficas, Varsovia; y la 3ra Bienal Internacional del Libro del Artista, Alejandría, Egipto (2008).

La práctica híbrida de grabado, fotografía, video, múltiples e instalaciones que es desarrollada por la artista explora formas reproducibles de representación que alteran nuestras nociones de singularidad. Sus instalaciones juegan con la tensión entre la tridimensionalidad de la escultura y la arquitectura, así como exploran la naturaleza efímera del video y sonido. Sus obras examinan relaciones de poder y dependencia a través de esculturas que invaden el espacio arquitectónico así como en videos que posicionan al cuerpo dentro de un contexto político y transnacional. De esta manera, su obra cuestiona nuestro sentido de estabilidad y como el tiempo pudiese parecer suspendido al entrar y salir de espacios en estado de fluctuación – algunos geográficos, otros virtuales, apuntando a un estado concurrente de disolución (disociación) e híper-encarnación.

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder-Frech y

el Comité MARTE Contemporáneo.

Coca-colonized

2011-01-28T15:52:00.010-06:00

Museo de Arte de El Salvador (MARTE)

MARTE Contemporáneo

Presenta:

“Coca-colonized”

5 de mayo al 3 de julio, 2011

San Salvador, Enero, 2011: El Museo de Arte de El Salvador (MARTE) se complace en anunciar la apertura de Coca-colonized, dirigida por la curadora Claire Breukel, de origen sudafricano, basada en Estados Unidos. Coca-colonized – exposición multimedia contemporánea originada en Brotkunsthalle, Vienna – tendrá su lanzamiento en el MARTE, San Salvador, en mayo 2011. La exhibición figura a nueve artistas seleccionados de Sur y Centro America, y también de Africa, quienes presentan obras que responden al significado de vivir y trabajar en regiones ‘debajo’ de sus contrapartes más desarrolladas, específicamente Norte América y Europa. Más aún, Coca-colonized también toma en cuenta la influencia de los medios que, a través de generaciones, se han integrado con la cultura local para crear una nueva ‘tercera identidad’, bastante diversa y facultada.

Coca-colonized exhibe una amplia representación de perspectivas, incluyendo a Anton Kannemeyer (Sudáfrica), Peterson Kamwathi Waweru (Kenia), Baudouin Mouanda (El Congo), Cameron Platter (Sudáfrica), Maria Jose Arjona (Colombia), Simon Vega (El Salvador), Omar Obdulio (Puerto Rico), Reynier Leyva-Novo (Cuba) and Emilio Chapela Perez (México). A través de instalaciones de arte, videos, pinturas, diseños, esculturas y performance, la exhibición responde a la idea de que la influencia de una cultura de masas sobre otra cultura, mejor conocida como ‘región en vías de desarrollo’, implica una relación dominante entre el que ejerce la influencia y el que se deja influenciar. Coca – colonized es un esfuerzo por cuestionar esta relación. No aprobarla, ni desaprobarla, sino proveer evidencia de cómo la influencia de esta cultura de masas ha sido absorbida, reinterpretada y en algunos casos, renovada dentro de estas regiones.

En muchos casos, por necesidad, estos artistas crean obras que están fuera de espacios formales, acercando a la audiencia a las mismas e invariablemente haciendo que sus obras sean mucho más culturales y socialmente interactivas.

“Considero que los artistas son agentes culturales con derecho de prioridad, respondiendo a y reflejando verdades culturales y sociales”, dice la curadora Claire Breukel. “La presentación de Coca-colonized en el MARTE es especialmente prolífica ya que posiciona a la exhibición en el contexto de un espacio formal y en el contexto de una de las regiones de donde origina el concepto de la exhibición”.

El Museo de Arte de El Salvador (MARTE) es una institución privada, sin fines de lucro, fundada en mayo del 2003. Desde su comienzo se convirtió en un punto de referencia para la cultura y las artes visuales en Centro América. Junto con una exhibición permanente de muestras de arte salvadoreño, el MARTE ha dado acogida a un sin número de exhibiciones de maestros reconocidos a nivel universal. También organiza exhibiciones contemporáneas enfocadas en promover una expresión artística más innovadora. MARTE contemporáneo es un movimiento de artistas, entusiastas, y coleccionistas jóvenes quienes tienen como objetivo el apoyar al programa de arte contemporáneo del museo. Este programa incluye intervenciones, conferencias, colecciones, intercambios de cultura y pasantías con el propósito de desafiar las barreras de una cultura tradicional Salvadoreña con las que el arte contemporáneo ha tenido que lidiar.

Para poder mostrar las obras de artistas contemporáneos y emergentes, el programa de MARTE Contemporáneo promueve el dialogo entre profesionales salvadoreños e internacionales. También le ofrece al público la oportunidad de apreciar las nuevas tendencias artísticas y propuestas estéticas. Esto incluye exhibiciones en una de las salas del edificio y otros espacios designados, al igual que otras actividades organizadas por el museo y por el comité de MARTE Contemporáneo, el que apoya y desarrolla el horario y la agenda del programa.

“La exhibicion de Coca-colonized por Claire Breukel es particularmente interesante porque reúne a un grupo de artistas que están vinculados por la interpretación de un tema actual, específicamente del impacto cultural que las ciudades industrializadas y hegemónicas tienen sobre los países en vías de desarrollo”, dice Rafael Alas, Director de Programación del MARTE. “El dialogo entre los artistas seleccionados, provenientes de África y América Latina, quienes comparten sus puntos de vista y experiencias de la relación entre estas sociedades, enfatiza las influencias y la ‘permeabilidad’ cultural de los grupos que comparten una subordinación aparente a estas influencias, sin importar la distancia o la posición geográfica”.

Breukel visitó el MARTE por primera vez en el 2008 en un viaje curatorial patrocinado por el coleccionistas Mario Cader-Frech, de Miami. Durante sus 35 visitas de estudios Breukel conoció al artista salvadoreño, Simón Vega, quien luego fue invitado a crear una instalación de arte específicamente para la exhibición de Vienna y quien creará una nueva pieza para la exhibición en MARTE. Coca-colonized está acompañada por un catalogo traducido al español.

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Esta exhibición es posible gracias a MARTE Contemporáneo, Mario Cader-Frech, la Galería Ernst Hilger y Hilger BrotKunsthalle, en colaboración con la Galería Michael Stevenson, Sudáfrica; Galería EDS, México; Galería Anita Beckers, Alemania; Galería Whatiftheworld, Sudáfrica y Afrique in Visu.

*El término coca-colonización es utilizado para describir varios casos de países adonde la cultura indígena ha sido degastada por una cultura corporativa en masas, generalmente de un país con poder industrial. Esta frase es una metáfora, pues, en realidad, las personas no tienen que emigrar al país colonizado para poder causar el impacto, sino, solamente los símbolos y señas culturales, las formas de entretenimiento y los valores (Wikipedia).

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COUNTERS - Abby Manock

2010-08-19T16:49:00.002-06:00

Museo de Arte de El Salvador (MARTE)

MARTE Contemporáneo

Presenta:

“COUNTERS”

Por Abby Manock

14 de octubre al 12 de diciembre, 2010

Counters (3 min. 15 seg. video, 2009) propone una investigación sobre la subjetividad de valor e intercambio a través de una secuencia hipnótica de seducción, producción, modificación, transportación y lo subversivo puesto al sonido de ensueño del "5 count soundtrack."

Desde su inicio en Gallery Diet en enero del 2009, Counters ha viajado a espacios en Nueva York, Los Ángeles, Maine, Connecticut e internacionalmente a Liverpool, Inglaterra; Yokohama, Japón y ahora MARTE.

Cada vez que se muestra el video, Manock escoge una escena diferente para expandir fuera de la pantalla, construyendo un espacio nuevo escultural. Cada escena es elaborada con los temas teniendo en mente el espacio de la exhibición. Desensamblando los materiales del escenario original y piezas modulares de instalaciones nuevas, los elementos esculturales del pasado son reinventados para el nuevo ambiente de cada exhibición.

Countercrop en MARTE es una extensión de la escena del “orchard,” la primera escena en el vídeo original. En esta encarnación, el espectador está invitado a entrar dentro del mundo de Manock, un mundo que es extremadamente específico en el orden del color. A través de su exploración del ambiente, cada espectador se convierte en un personaje dentro del mundo estético de la artista. Cada persona cuenta o “every person counts.”

Performance por el duo TM Sisters

2010-07-14T10:56:00.015-06:00

Museo de Arte de El Salvador (MARTE)

MARTE Contemporáneo

Presenta:

"Things Will End Before They Start"

(Las Cosas Terminan Antes de Comenzar)

por TM Sisters

Jueves, 12 de Agosto, 2010 a las 5:30PM

Mónica y Tasha López de Victoria, 28 y 26 años respectivamente, son mejor conocidas como las TM Sisters y son un magnífico dúo artístico de Miami, quienes han saboreado la grandeza del arte desde muy pequeñas. Sus padres se encargaron de educarlas en casa, y con ellos, las hermanas, aprendieron sobre debatibles temas psicológicos y espirituales enfocados a las relaciones, el comportamiento, y la creatividad. Esto, sin duda, influencio su capacidad para producir grandes piezas de arte multimedia e interactivo.

Las obras de las hermanas se han presentado en diversas exposiciones de renombre internacional, tales como " Uncertain States of America: American Art in the 3^rd Millennium ", curado por Hans Ulrich Obrist, Daniel Birnbaum, y Gunnar B. Kvaran; la 2ª Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, y en PERFORMA 07. Sus piezas también han sido publicadas en la revista L'Officiel, en el diario Inglés The Guardian, en el New York Times, en Vogue Italia y otras publicaciones bastante distinguidas.

Por lo que, el Museo de Arte de El Salvador, como parte del Programa de MARTE Contemporáneo, se complace en invitar a los amantes del arte a la presentación de las TM Sisters: "Things Will End Before They Start" (Las Cosas Terminan Antes de Comenzar) que se llevará a cabo el jueves, 12 de agosto a las 5:30 pm. Esta presentación consiste en un video-performance de corta duración, en el que las TM Sisters son los personajes reales de una animación de recortes de papel, y representa la forma de cómo uno debe de ir cerrando ciertos capítulos en la vida para hacer espacio a los nuevos y más brillantes.

La presentación de las TM Sisters forma parte de la exposición Optic Nerve (videos de la colección del Museo de Arte Contemporáneo del Norte de Miami), exhibida, también, en el Museo de Arte de El Salvador.

Fotos:

Digital video performance in "Uncertain States of America; American Art in the 3rd Millennium", Serpentine Gallery, London. 2006. photo (c) by Declan O'Neill

OPTIC NERVE – MOCA North Miami

2010-07-08T14:44:00.006-06:00

Museo de Arte de El Salvador (MARTE)

MARTE Contemporáneo

Presenta:

OPTIC NERVE

1 de Julio al 29 de Agosto, 2010

Optic Nerve es un festival de gran popularidad organizado por el Museo de Arte Contemporáneo del Norte de Miami – MOCA. En este evento anual se presentan videos y cortometrajes elaborados por algunos de los artistas emergentes y más innovadores del área del Sur de la Florida, los cuales son seleccionados a través de propuestas en una convocatoria abierta. Dichas propuestas son analizadas por un jurado de profesionales especializados en arte y cine y los videos seleccionados son exhibidos cada año en este Museo. Uno de los videos presentados en cada edición es adquirido por el MOCA para su colección permanente a través de fondos proporcionados por la compañía de café Starbucks.

En esta muestra de nuestro Programa MARTE Contemporáneo, y gracias a la colaboración del MOCA, se muestran las obras de los artistas Kyle Towbridge, Jiae Hwang, Phillip Estlund, Jen Stark y TM SISTERS (Natasha y Mónica Lopez de la Victoria), cuyos videos fueron seleccionados en las ediciones de Optic Nerve de los años 2005 al 2009 respectivamente.

El Museo de Arte Contemporáneo del Norte de Miami

Conocido como el museo “donde se descubre el nuevo arte”, MOCA es reconocido a nivel internacional como una institución que impulsa la definición de nuevas tendencias y direcciones en arte contemporáneo. El Museo planifica y realiza la mayoría de sus exhibiciones, presentando una excitante oferta de artistas emergentes y consagrados. Visitantes de todo el mundo son orientados a introducirse en

su colección permanente la cual refleja los más importantes desarrollos del arte contemporáneo. MOCA mantiene una continua programación de conferencias por reconocidos artistas y críticos, proyecciones de filmes, conciertos y performances de avanzada y es una institución que ha atraído la atención del público estadounidense por la originalidad de sus programas de educación, los cuales han posibilitado la accesibilidad al arte contemporáneo y que este sea disfrutado por personas de todas las edades.

Semántica - 15 de Abril al 13 de Junio 2010

2010-04-30T15:17:00.003-06:00

Semántica

Museo de Arte El Salvador

MARTE Contemporáneo Program

15 de Abril al 13 de Junio 2010

Semántica es un proyecto colectivo, multinacional que involucra artistas emergentes/contemporáneos de Costa Rica, Cuba, el Salvador, Estados Unidos y México. Este nace como idea en una conversación entre 6 amigos artistas en Octubre de 2008. El grupo genera una propuesta experimental para investigar si una exhibición multinacional de arte contemporáneo puede prescindir de la figura del curador, los altos costos de producción y los tramites burocráticos de exportación/importación de arte como bien.

Esta propuesta consiste en crear una cadena de selección de artistas en la que cada artista de la lista inicial, escoge a un siguiente individuo y ese individuo escoge a un tercero. A cada participante se le entrega un libro en blanco idéntico que debe intervenir en un periodo de 7 meses. La intervención no tiene reglas ni limitantes; cada artista determina qué contiene y cómo se manipula su libro. Estos libros se completan en Septiembre de 2009 y comienzan su trayectoria alrededor de los distintos países sedes en esta exhibición en Abril de 2010.

Semántica interpreta el concepto del “libro de artista” desde 18 distintas perspectivas. Para algunos de los artistas participantes, éste es su primer libro de artista mientras que para otros, éste es uno de tantos que han producido a lo largo de su trayectoria. La muestra exhibe libros que se han convertido en diarios que representan la vida cotidiana y otros que han sido transformados en arte objetos. Aunque los artistas son extraños entre sí, cada uno entra en un dialogo intimo con el resto que permite producir una colaboración que presenta las similitudes y diferencias entre los países participantes.

Semántica cuestiona la separación que muchos de los nuevos medios tecnológicos generan entre el creador y su obra, borrando así las reglas tacitas que dividen al público de su experiencia en un establecimiento convencional de arte. Como consecuencia, escoge el medio tradicional del “libro del artista” para hablar sobre la necesidad, que aún existe en la contemporaneidad por parte del artista por tener contacto directo con el objeto que produce. Los libros son objetos tangibles con los que los participantes conviven por meses, transformándolos en objetos valiosos. Esta misma preciosidad suele ser la que fuerza al artista a no querer que el público tenga contacto directo con su obra. Sin embargo, Semántica se competa, como obra, en el momento en que el visitante tiene los libros entre sus manos. El público deja de ser solo un espectador para convertirse en participante activo de esta experiencia sensorial.

Irónicamente, la exhibición aprovecha los mismos medios que cuestiona para convertirse en una realidad. Toda la comunicación entre los participantes se lleva a cabo a través de medios digitales que borran las distancias, fronteras y complicaciones políticas entre países. Sin embargo, esta primera exhibición aun se ve afectada por esas mismas complicaciones de envío de obras y limitaciones financieras que encaran algunos artistas. Como consecuencia, los 6 libros que fueron intervenidos por participantes de la Habana, Cuba, aún se encuentran allí. Esperamos puedan estar presentes en la siguiente exhibición.

Ana Urquilla

Coordinadora General

Semántica

MARTE-C E-book - por Cre8tive Juice Group

2010-02-09T10:18:00.001-06:00

PROYECTO MARTE-C - "INTIMARIO” (Exhibición - Ganadores de Hocus Pocus 2008) - 28 DE MAYO – GALERÍA 1 2 3

2010-02-05T09:17:00.016-06:00

INTIMARIO 1 - "Papel Toalla" (tipo papel tapiz) - Alexia Miranda - Foto, cortesía de Dalia Chevez

INTIMARIO 2 - "Instalación" (collage de dibujosy objetos intervenidos) - Simón Vega.

INTIMARIO 3 -"Cortina de Protección" (Instalación de cortina doméstica intervenida con pelo bordado) - Alexia Miranda

INTIMARIO 4 -"Tropical Inn" (Instalación y maquetas con materiales varios) - Simon Vega

INTIMARIO 5 - JAIME IZAGUIRRE

INTIMARIO 8 - Serie Domestícame (cup cakes y filtros de café intervenidos con dibujo) - Alexia Miranda - Foto de René Lovo.

INTIMARIO 9 - Detalle de obra "Domestícame"

INTIMARIO 6 - Vídeo "Still" (Imágenes Contemplativas I) - Vídeo Performance, Alexia Miranda

INTIMARIO 7 - Vídeo "Still" (Imágenes Contemplativas II) - Vídeo Performance, Alexia Miranda

*Fotos tomadads del Blog de Intimario (http://intimarioexpo.blogspot.com/)

Link – Artículo de La Prensa Gráfica - "Artistas muestran el lado íntimo - Jueves 28 Mayo, 2009 – Por Patricia Cruz "

2010-02-05T08:57:00.001-06:00

INTIMARIO - PROYECTOS INÉDITOS

2010-02-05T08:28:00.004-06:00

Viernes 29 de Marzo de 2009.

TEXTO CURATORIAL

Intimario
proyectos inéditos

Alexia Miranda
Jaime Izaguirre
Simón Vega

La presente exposición reúne trabajos y propuestas que a pesar de tener temáticas muy distintas, comparten el carácter experimental e íntimo de los tres artistas seleccionados por el comité curatorial de MARTE Contemporáneo con ocasión de la subasta/exposición Hocus Pocus llevada a cabo en Noviembre del 2008.
Las pinturas, dibujos, esculturas y videos que componen esta muestra presentan distintos puntos en el proceso de cada artista; se trata de aquellas obras que rara vez abandonan el estudio y que ofrecen al espectador un acercamiento directo al acto creativo en sus distintas fases.

Tomado del Blog de Intimario (http://intimarioexpo.blogspot.com/) - publicación de Alexia Miranda.

ZONAS DE TRUEQUE - 3 de septiembre al 1 de noviembre de 2009

2010-01-29T09:17:00.004-06:00

ZONAS DE TRUEQUE

3 de septiembre al 1 de noviembre de 2009

El Centro de Arte Bronx River de Nueva York y el Museo de Arte de El Salvador, dentro de su programa MARTE Contemporáneo, presentan la exhibición:

ZONAS DE TRUEQUE

Curador: José Ruiz (Perú | Nueva York, USA)

Artistas: Karlos Carcamo (El Salvador | Nueva York, USA), Esperanza Mayobre (Venezuela | Nueva York, USA)

Diego Medina (México | Nueva York , USA)

Performance: Ghettoblaster - Irvin Morazan (El Salvador | Nueva York, USA)

La exhibición Zonas de Trueque es un reflejo de Bartered States, muestra que se realizó en Nueva York en el mes de mayo del 2009 y en la cual se presentaron obras creadas in situ por los artistas salvadoreños: Ronald Morán, Simón Vega, Walterio Iraheta y Danny Zavaleta, quienes logran conectar el arte y la vida enmarcada dentro de una práctica socio-política. La exhibición en MARTE es la continuación de un intercambio cultural entre un grupo de artistas salvadoreños y latinoamericanos radicados en Nueva York quienes han construido juntos su propio diálogo y sistemas de colaboración a lo largo de 2009. El producto de los dos proyectos se ha presentado, y también se ha hecho posible, a través de la relación institucional entre el MARTE en San Salvador y el Centro de Arte Bronx River, ubicado en el barrio Bronx de Nueva York.

La oportunidad de realizar la curaduría de dos exhibiciones, una en El Salvador y otra en Estados Unidos de América, condujo a la posibilidad de realizar una serie de investigaciones: la exploración de los paradigmas de interdependencia entre estos dos países y el descubrimiento de los elementos vigentes elaborados a lo largo de los procesos de transformación, asimilación y resistencia; el uso de estos elementos posmodernos como “agujas” para explorar por la epidermis de migración e identidad que homogeniza a los latinoamericanos viviendo en los Estados Unidos; y finalmente, el cambio de la idea del “ir” (para exhibir) con el “regresar” (para exhibir). La idea del regreso me llevó a contactar a tres artistas de Nueva York: Karlos Carcamo (El Salvador), Esperanza Mayobre (Venezuela) y Diego Medina (México) cuyos lugares de nacimiento comparten irresistibles historias sociales, políticas y culturales y cuyas obras plasman ofrecimientos que enlazan con el lenguaje cultural latinoamericano que ellos han desarrollado y han dejado atrás.

Cuando un viajero retorna a su país de origen, regresa con historias de aventuras, tradiciones recién adquiridas y regalos extraños obtenidos en exóticos lugares. Esto nos conduce a creer que estas experiencias y recuerdos se consiguieron a través de gestos de cortesía o intercambios simbólicos pero en realidad lo que se constituye en elemento traído al regreso es algo a menudo intercambiable a través de un diferente juego de reglas, apuestas y compromisos. Por medio de la investigación de la co-existencia, dependencia y reciprocidad, Zonas de Trueque de-construye el término “canjear” para disipar la noción o idea de que cada intercambio, aún si está acordado por ambas partes, preserva intereses mutuos y expectativas. Cuando se despoja de su función material (el intercambio de bienes tangibles y servicios), el acto de canjear puede también exponer el desequilibrio global de poder a través del cual una parte está a merced de otra, o es forzada a actuar, atascarse o defenderse a sí misma para poder progresar.

Las variadas técnicas mixtas de la obra de Karlos Carcamo, las cuales abarcan escultura, pintura y fotografía, se vuelca al minimalismo y estrategias conceptuales de la misma manera que la violencia se ha volcado en la trama urbana. Las instalaciones de Esperanza Mayobre decodifican la aparente transparencia objetiva de la obtención de los diferentes tipos de visa para ingresar a los Estados Unidos y así evidenciar la ansiedad y la ambigüedad que generan en el solicitante la obtención de una entrada legal y residencia a dicho país. Las claras imposibilidades encontradas en los videos y obras relacionadas de Diego Medina, indirectamente influenciadas por el libro de Eduardo Galeano “Las venas abiertas de América Latina: Cinco siglos de saqueo de un continente”, marcan las transformaciones cuando se pone del lado del cuerpo y cuando el cuerpo viene a ser una doble maniobra para las ideologías políticas que pueden existir solamente como conceptos. Adicionalmente, Irvin Morazan, un artista nacido en El Salvador y radicado en Nueva York, presentó el día de la inauguración en MARTE un performance a manera de un ritual, en el cual personificó deidades precolombinas que asumen los roles de bailarines de “break” y batallan por música hip-hop, la cual se emitía fuertemente de unos aparatos de sonido simulando tocados.

Estos débiles sistemas de operación son descubiertos a través de la creación de obras interdisciplinarias que asignan responsabilidad a cada lado de la ecuación. El sentimiento colectivo de estas instalaciones, performances, videos y objetos nos permiten conocer el desplazamiento del lenguaje cultural y el proceso en el que uno debe ir siempre adelante para ser versado, inquisitivo e ingenioso dentro de esta realidad de la experiencia vivida. Una realidad que no está basada en las diferencias que separan o en las cosas en común que generan indiferencia, sino que en una frágil y densamente integrada red de historias compartidas que tienen todavía que ser descifradas, desentrañadas o mediadas. Si el rol del artista es de actuar como la voz crítica de la sociedad mediante el cuestionamiento y la exposición de los desbalances de la vida, entonces este grupo de artistas, junto con la contraparte salvadoreña, actúan acertadamente en su camino de crear el ambiente necesario para inspirar al resto de la sociedad con el fin de colaborar en el cambio social.

José Ruiz

José Ruiz es un artista y curador radicado en Nueva York que se ha desplazado entre Lima, Brazilia, Washington D.C. y San Francisco. Recibió su Maestría de Bellas Artes en Nuevos Géneros en el Instituto de Arte de San Francisco en el 2004 y comenzó su práctica curatorial en el 2000 como parte de un proyecto de arte interdisciplinario y colaborativo. A partir de esto, Ruiz ha sido curador de alrededor de 15 exhibiciones nacionales e internacionales y ha sido co-curador de aproximadamente 30 proyectos de arte visual y performance con varias instituciones y organizaciones, como el Centro de Arte Bronx River, el Museo de Arte Queens, la Galería PS122, Decatur Blue, la Galería P.P.O.W. y la Galería Transformer.

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder Frech y el Comité MARTE Contemporáneo.

OH JUNG-JA: METAFORAS Y SENTIMIENTOS - 16 de junio al 16 de agosto de 2009.

2010-01-29T09:13:00.002-06:00

OH JUNG-JA: METAFORAS Y SENTIMIENTOS

Museo de Arte de El Salvador

16 de junio al 16 de agosto de 2009.

La Embajada de Corea en El Salvador y el Museo de Arte, dentro de su programa MARTE Contemporáneo, presentan la exhibición

Oh Jung-ja: Metáforas y sentimientos

Oh Jung-ja es una pintora importante en el mundo de los artistas coreanos; ella nació en 1945, año en que finalizó la ocupación militar por parte de Japón. Si sus antecesores aprendieron la pintura por un maestro japonés o fueron influenciados por ellos, Oh Jung-ja tuvo la suerte de aprender la pintura en una universidad de su tierra natal ya independiente. En el año de 1963 inició la carrera de pintura en la Universidad de Ewha y se especializó en la pintura oriental y desde entonces se ha dedicado exclusivamente a ser pintora. Tuvo la oportunidad de aprender de catedráticos como Lee Yu-tae, sobre el retrato; Cho Jung-hyun, sobre la pintura de la flor y el pájaro; An Dong-suk, sobre el sentido moderno de la pintura. También asistió al estudio de Park No-su, quien disfrutaba la pintura china. Tomando en cuenta esto, la pintora Oh adquirió sus conocimientos entre varios maestros importantes de aquella época y este aprendizaje lo ha aprovechado hasta el día de hoy.

Su talento ha sido reconocido desde temprano ya que fue seleccionada 8 veces seguidas para la exposición de Arte Nacional de Corea y obtuvo el premio especial en el concurso público (1966) de Baekyanghoe y Mokwoohoe.

Después de su graduación en el año 1967, se llevó a cabo su exposición individual en las galerías Hyundai y Sun; desde entonces hasta el día de hoy ha presentado en total 14 exposiciones y la mitad de ellas han sido en el extranjero, incluyendo muestras en la ciudades de Tokyo, Nagano, Washington D.C., Génova y Caracas.

Su obra comenzó desde las décadas de los años 60 y 70 con el retrato y en los años 80 desarrolla el tema de animales como carpa de seda, paloma, pavo, gorrión, urraca, el pez de colores y también la pintura que representa flores, en la cual se ampliaron temas con imágenes del lirio, la amapola y la camelia hasta el día de hoy. A pesar del manejo de temas variados, sus pinturas se han caracterizado por tener una coloración espléndida, una exacta descripción y una composición equilibrada en el lienzo.

En los últimos años, sus obras han sufrido transformaciones pasando de las escenas descriptivas a los sentimientos; en otras palabras, sus obras no tratan de reflejar la imagen sino que trata de atraer la atención por el ambiente representado en el lienzo. Siendo diferente la característica de la pintura, la técnica también cambia; sin embargo la artista no dibuja de una sola vez sino ha utilizado una técnica que hace énfasis en el tacto de la calidad del material y trata de generar sensaciones a través del color tenue.

Oh Jung-ja prefiere dibujar sobre el papel arrugado coreano Hanji* a utilizar el papel común. Cuando se arruga el papel, queda la evidencia de “ruina” como si hubiera pasado un huracán y la artista comienza a producir basándose en la observación de la superficie deformada por el doblaje y el arrugado. Su técnica se basa en ocupar varios papeles arrugados lo cuales van pegados unos con otros para hacer una superficie firme, la cual queda lista para posteriormente tomar el pincel y dibujar. Puesta frente al cuadro, aplica el pincel para colorear la superficie con sumo cuidado. El pigmento que ocupa se disuelve fácilmente en agua y por tanto el color no aparece con un par de aplicaciones. Además el Hanji tiene la propiedad de absorber rápidamente el color, por lo que después de haber aplicado el pincel decenas de veces, se puede lograr la impresión del color satisfactoriamente.

El hecho de que la pintora realice varias veces este proceso debe ser porque desea sentir la cualidad profunda del color cada vez que va acumulando el pigmento y para afrontar la peculiar textura del Hanji. Esta sería la razón de cultivar esta técnica, a pesar de los muchos meses de trabajo que requiere una obra, ya que no se puede desechar fácilmente el llegar a la exquisitez. De manera similar sucede con el trabajo sobre la seda. La suave superficie que se siente al tocar el papel será diferente al tacto liso experimentado con la seda, pero el color aplicado sobre el papel es como si estuviera nevando acumuladamente. No se realiza la aplicación del color de una sola pincelada sino en forma gradual, lo cual aumenta la densidad llegando así a lograr un secreto vigor. En ello está invertido el tiempo y la dedicación, quedando ocultos la emoción y el pensamiento de la pintora. En ese proceso se encuentra concentrada la experiencia estética y en ella se encuentra la belleza del arte figurativo particular de la artista.

En sus últimas obras podemos encontrar sus motivos de inspiración que han sido las palomas agachadas, la lechuza y el pájaro solitario bañados en la luz de la luna, la carpa que vaga en el fondo del agua, el pájaro que agita las alas para volar, el pájaro que descansa cómodamente en su nido. A la par de estas imágenes podemos encontrar las escenas con flores como la peonía, narciso, lila de la india, camelia, las cuales están en su plenitud.

A primera vista puede ser observada una simple pintura de flores o animales pero estas imágenes fueron empleadas de manera metafórica ya que contiene un significado especial. Por ejemplo, la paloma, un pájaro solitario o la carpa simboliza el ego o el hombre que se encuentra bajo determinado ambiente. Aquí es donde la pintora representa la luz de la luna, suaves olas o extravagantes flores etc. para ofrecer el consuelo y la esperanza a aquellos seres que están bajo situaciones difíciles. El dibujo como el pájaro con las alas extendidas en su plenitud en preparación al salto o el pájaro volando en el aire con brío significan la acción de salir en búsqueda de la libertad verdadera.

Tomado de “Un corazón cálido llevado a través del pincel, Oh Jung-ja”, por Seo Sung-rok, Presidente de la Asociación de Críticos de la Pintura de Corea.

*Hanji: papel coreano hecho a mano de árboles de morera. Este papel se utiliza especialmente para la pintura tradicional y la caligrafía

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder Frech y el comité MARTE Contemporáneo

La Forma Equivalente - 19 de marzo al 12 de abril de 2009

2010-01-29T08:42:00.004-06:00

La Forma Equivalente

19 de marzo al 12 de abril de 2009

EspIRA / La ESPORA y el Museo de Arte de El Salvador, dentro del programa MARTE Contemporáneo, presentan la exhibición:

La Forma Equivalente (LFE)

Esta muestra itinerante se alimenta de dos fuentes: por un lado artistas centroamericanos que asiduamente construyen propuestas acerca de la identidad y el poder y cuyas obras en LFE son en su mayoría conocidas. La otra fuente son los participantes de la Residencia Académica Para Artistas Centroamericanos Emergentes (RAPACES), en su edición 2008-09, también organizada por EspIRA / La ESPORA y también llamada La Forma Equivalente.

Cuando en el 2007 concebimos el eje temático, pensábamos en cuestionar las relaciones históricas, con frecuencia románticas, entre el arte y el poder dominante -el patriarcado, el capitalismo, el racismo y otros sistemas de dominación que precisan, como mucho en la vida, de andamiajes visuales que el arte provee: desde formas ultra convencionales, como el desnudo femenino, hasta estrategias menos reconocidas y más sorprendentes, que esperábamos encontrar mediante el diálogo con los artistas.

A este efecto convocamos a LFE residencia, un encuentro centroamericano de artistas emergentes, en el marco de RAPACES, que sirviera de plataforma para la discusión acerca de arte y poder y la producción de obra en ese sentido. La otra cosa que hicimos fue invitar a LFE exposición a esos artistas que ya estaban trabajando los temas: cuestionamientos de género, etnia, clase, colonización cultural, estereotipos estéticos.

Sucedió que en LFE residencia, participantes e instructores ampliaron el terreno de la discusión en varias direcciones, como el terreno amplio y abstracto del poder de la imagen, o el más especifico del arte y sus relaciones íntimas con el poder curatorial.

Por otro lado, sabíamos que las obras de los artistas invitados iban a sugerir nuevas lecturas al reconfigurarse en el conjunto…pero era ese conjunto el que no teníamos claro, ya que aun quedaba por ver qué saldría de la residencia y estudiar cómo se comunicarían, buscarían, articularían o no, unas obras con otras. También sabíamos que las trayectorias de los dos grupos eran bien distintas, los pesos individuales de los participantes son tan diversos como Mosca y Welter. Era una acción arriesgada la combinatoria, pero considerando costos, riesgos, beneficios, apostamos por los beneficios. Lo que ocurrió fue hermoso: LFE residencia produjo obras pujantes y empezamos a notar en el nuevo conjunto convergencias, divergencias saludables, cabos que se soltaron sin perder tensión, obras que impredeciblemente se amarraron con naturalidad y fuerza.

La tarea de articular verbalmente estas percepciones y de montarlas en el espacio termina de armonizar, ojalá no demasiado, un conjunto que parte de intereses comunes y se bifurca en complejas heterogeneidades. La exposición La Forma Equivalente revisa sus propios sentidos, se propone como un ejercicio de los razonamientos que la motivan y ofrece al espectador una peculiar combinación de reflexiones, difícilmente agrupables en otra circunstancia.

Patricia Belli

EspIRA / La ESPORA

Los artistas participantes en esta exhibición son:

Edgar Calel, Regina Galindo, Sandra Monterroso (Guatemala)

Melissa Guevara, Mauricio Esquivel, Jaime Izaguirre (El Salvador)

Celeste Ponce, Lester Rodríguez (Honduras)

Raúl Quintanilla, Norlan Gutiérrez, Alejandro Flores, Jullissa Moncada, Laura Baumeister, Gabriel Serra, Ricardo Huezo, Consuelo Mora, Darling López Salinas (Nicaragua)

Javier Calvo Sandí, Diana Barquero, Fabrizio Arrieta, Roberto Guerrero, Paulina Velázquez (Costa Rica)

El programa MARTE Contemporáneo es patrocinado por Mario Cáder Frech y el comité MARTE Contemporáneo.

MARTE Contemporáneo Anuncia los Resultados del Eevento Benfico Hocus Pocus

2009-04-07T14:30:00.004-06:00

MARTE Anuncia el Programa de Arte Contemporáneo Para el 2009

SAN SALVADOR, 1 de diciembre, 2008 - El comité MARTE Contemporáneo anuncia los resultados de su exitoso evento benéfico Hocus Pocus, organizado con el fin de recaudar fondos a beneficio del programa de arte contemporáneo del Museo de Arte de El Salvador (MARTE). A la vez, MARTE anuncia la programación de arte contemporáneo para el 2009.

El evento benéfico Hocus Pocus recaudó un total de $11,800.00 por medio de la venta de boletos para una rifa de obras de arte donadas por artistas nacionales e internacionales. Estos fondos se convertirán en la programación de arte contemporáneo del MARTE. Tentativaente para el 2009:

-Beca para un artista nacional a representar El Salvador en la exhibición Patricia Belli
-Exhibición de un colectivo nacional en el MARTE
-Exhibición de Videoarte en colaboración al Museo de Arte Contemporaneo de Miami, Florida
-Intercambio cultural y exhibición en colaboración con el Bronx Art Center de Nueva York
-Exhibición de las donaciones de obras de arte por artistas internacionales gestionadas por MARTE Contemporáneo
-Lanzamiento del libro MARTE Contemporáneo

Además, MARTE Contemporáneo anuncia a los tres artistas participantes en el evento Hocus Pocus que ganaron recibir una exhibición colectiva en la Galeria 1-2-3 durante el 2009: Simon Vega, Jaime Izaguirre y Alexia Miranda.

El evento benéfico Hocus Pocus consistió en una “rifa” de 59 obras donadas por artistas nacionales e internacionales que se desenvuelven en el área contemporánea de la pintura, escultura, fotografía, etc. Los boletos para la rifa tenían un costo de $100.00 y fueron ofrecidos por MARTE Contemporáneo exclusivamente a coleccionistas jóvenes, recaudando un total de $5,900.00, el cual fue duplicado por una donación privado sumando a $11,800.00. Cada boleto estaba numerado y se pusieron en una urna. Uno por uno fue extraído al azar y los coleccionistas tuvieron la oportunidad de escoger la obra disponible que más le gustara, según su turno y las que quedaban disponibles. “En realidad fue un evento lleno de energía, muy emocionante y una gran oportunidad de conocer a los artistas y escuchar en persona sobre sus conceptos” dijo Rodolfo Schildknecht, uno de los jóvenes coleccionistas que asistió al evento benéfico.

Los artistas participantes en el evento Hocus Pocus donaron una obra para la rifa, estas obras fueron exhibidas del 7 al 9 de octubre en el Lobby del Teatro Presidente y fueron calificadas por su innovación por un jurado invitado compuesto por: Juan Sánchez, Director del Centro Cultural de España en El Salvador; Susan Lee-Chung, artista y curadora independiente de Miami, Florida; Elizabeth Diaz Soto, galerista de México; Rebeca Dávila, Directora del CENAR en El Salvador. El jurado invitado eligió a Simon Vega, Jaime Izaguirre y Alexia Miranda, quienes obtuvieron como premiación una exhibición colectiva en la Galeria 1-2-3 programada para el 2009. Las obras donadas se pueden ver en www.MarteContemporaneo.blogspot.com. “Este es un esfuerzo colectivo entre artistas, coleccionistas y galeristas para apoyar al programa del Museo” dijo Alexia Miranda, quien agrego: “para mi, fue una gran oportunidad de convivir con mas de 50 coleccionistas jóvenes, compartir mis ideas, y además obtener la oportunidad de exhibir”.

Hocus Pocus

2008-11-20T09:18:00.001-06:00

Susan Lee-Chun - The Suz in da' House

2008-10-21T15:02:00.001-06:00

El objetivo de la fusión de las tres “Suz” en un solo personaje es para unir el arte y la artista para formar una marca o una nueva identidad autentica. Como una marca verdadera con misión corporativa, “The Suz” apunta a traer una experiencia única: falsa real autentica. “The Suz” organizará actividades meticulosamente diseñadas a prestar una experiencia autentica incorporando la instalación, video arte, y performance. Estos proyectos multi-media son producidos para retar las dinámicas entre arte, artista y espectador. También su presencia simbólica como una compañía auténticamente falsa/real cataliza el desarrollo de una nueva serie de proyectos experimentales haciéndonos preguntar en las percepciones sobre autenticidad e identidad.

Para la muestra en MARTE, “The Suz” presenta un escenario que consiste de una cocina (falsa) construida específicamente para presentar un show de cocina con la anfitriona Suz frente a una audiencia en vivo. El estreno del show consiste en una demostración de cómo prepara una receta “falsa real” oriental.

Extracto del Show:

“Sue” creció en la región sureste de los Estados Unidos y nos demostrara meticulosamente como crear un “autentico” plato oriental. Sus viajes através de todo el país la han expuesto ha obtener el conocimiento de cómo hacer el mas excelente plato oriental, así como se encuentran en los restaurantes de comida China. Posiblemente “The Suz” compartirá un secreto antiguo Chino de cocina que solamente ella lo sabe.

Emilio Chapela - Spectacular... but empty

2008-10-21T14:59:00.002-06:00

Es muy común encontrar inumerables ejemplos de propuestas artísticas que buscan ante todo sorprendernos (algunas fallidas y muchas otras de manera muy inteligente). De manera similara la sorpresa que nos genera ver un espectáculo de fuegos artificiales. El arte hoy en dia, se ha vuelto muy grande, brillante, ruidoso y muy caro de producir. Pero sobre todo: espectacular.

Spectacular… but empty es una pieza que al mismo tiempo que critica esta situación, es cómplice de ella. Hace un comentario circular de manera que se contradice así misma: De manera muy clara y evidente nos dice: Esto es espectacular, y al mismo tiempo de manera muy silenciosa nos dice, pero esta vacío. Para Raul Zamudio-Taylor Spectacular... but empty (2008) de Emilio Chapela “es una alusión irónica al importante texto situacionista de Guy Debord titulado La Sociedad del Espectáculo publicado en 1967”

ACERCA DE HOCUS POCUS

2008-09-23T12:11:00.006-06:00

Hocus Pocus es una adaptación de exitosos eventos benéficos en los Estados Unidos, los cuales son organizados por artistas con el fin de recaudar fondos para organizaciones dedicadas a la promoción del arte contemporáneo.

El evento consistirá en la “rifa” de obras donadas por artistas nacionales e internacionales que se desenvuelven en el área contemporánea de la pintura, escultura, fotografía, etc.

Los boletos para la rifa serán ofrecidos por Marte Contemporáneo exclusivamente a coleccionistas jóvenes quienes asistirán al evento o enviarán un representante. El precio de los boletos será de $100.00 y podrán asistir dos personas. Cada boleto de entrada será numerado y se pondrán en una urna. El público tendrá la oportunidad de escoger la obra que más le guste, a medida que su número vaya siendo llamado al azar.

Los artistas que donen obra podrán asistir con un acompañante y propiciar un encuentro directo con los coleccionistas asistentes.

ROL DEL ARTISTA, GALERISTA Y MARTE CONTEMPORÁNEO EN HOCUS POCUS

Hocus Pocus es un evento en el cual los artistas, galerista y MARTE se unen para impulsar el arte contemporáneo en el país.

El rol del Comité MARTE Contemporáneo es de servir como vehículo para convocar a los artistas y jóvenes empresarios con potencial de ser coleccionistas o patrocinadores del arte contemporáneo acercándolos al Museo y convertirse en socios de MARTE Contemporáneo. Y a la vez crear una base de datos para futuros eventos.

El rol de la Galería es apoyar dando un espacio profesional para realizar el evento afuera de las instalaciones del Museo formalizando estas obras como dignas de exhibición para promover el coleccionismo extendiendo certificados de autenticidad por cada obra.

El rol de los Artistas no es simplemente el de donar una obra. Esa obra de arte donada los vuelve socios de Marte Contemporáneo y como tal les da la responsabilidad de ayudar a retroalimentar a los directores de programación de MARTE para las futuras iniciativas o actividades del programa Marte Contemporáneo. Su rol es también de educar a los participantes del evento de las nuevas tendencias en el arte contemporáneo y de servir como promotores de la misma.

OBJETIVOS DEL EVENTO

Propiciar un encuentro entre coleccionistas jóvenes y artistas contemporáneos.

Motivar a los artistas a hacer una relectura de su obra y a partir de ello, motivarlos a elaborar obras con características especiales en medios tradicionales o alternativos.

Proponer hacer obras seriadas o piezas únicas.

Premiar por medio de un equipo de curadores nacionales e internacional 3 proyectos.

Dar seguimiento a las obras premiadas y montar una exposición en galería 1-2-3 fecha pendiente.

Crear una nueva y participativa dinámica de trabajo con el objetivo de captar fondos destinados a futuro para costear proyectos de carácter contemporáneos.

Obtener un banco de datos de un público específico, coleccionistas jóvenes y artistas contemporáneos.

PARTICIPACIÓN EN HOCUS POCUS

Características de las piezas:

Podrán participar artistas salvadoreños y extranjeros invitados previamente para el evento con una pieza por persona.

Las obras tendrán que ser de pequeño formato (30 cms. máximo largo, ancho si es Bidimensional y 30 cms. máximo largo, ancho profundidad si es tridimensional).

Pueden ser obras únicas o de ediciones (en este caso tendrá que especificarse el número de la edición).

CONDICIONES:

La pieza donada será al 100% obra seriada. El resto de la edición podrá ser de uso del artista. El precio de las demás piezas de la edición será a criterio del artista.

Las piezas tienen que llegar debidamente presentadas y listas para exhibirse

BENÉFICOS

A los 3 primeros lugares seleccionados por el equipo de curadores especializados, Marte Contemporáneo gestionará una exposición en Galería 123. a definirse posteriormente, esta exposición incluirá la impresión de un catálogo con texto crítico de la misma.

Cada participante que done su obra para el evento se le entregara un pase de entrada gratuita para una persona durante un año al MARTE.

Se extenderán Certificados de autenticidad para todas las piezas del evento con el fin de garantizar de manera profesional la adquisición de una obra original.

Cada artista que done una obra puede asistir al evento con un invitado.

EQUIPO DE CURADORES

El equipo estará integrado por 3 personalidades internacionales especialistas en la materia (curadores, galeristas, directores de museo) y 2 profesionales salvadoreños.

FECHAS A RECORDAR

La entrega de las obras será las oficinas del MARTE en horarios de oficina hasta el 30 de septiembre.

HOCUS POCUS se realizará el jueves 9 de octubre de 2008 en lobby del Teatro Presidente.

Ese mismo día se mencionarán los 3 seleccionados por el jurado.
Se hará entrega de los pases por un año al MARTE a todos los artistas participantes.

Soñando con el Stans

2008-09-19T08:41:00.006-06:00

El Museo de Arte de El Salvador, en el marco de su programa Marte Contemporáneo 2008, con la colaboración de Janet Phelps, la Galería Winkleman de Nueva York y el Diario de Hoy, se complacen en presentar I Dream of the Stans (Soñando con el Stans ), una exhibición del nuevo video realizado por artistas contemporáneos de Asia Central y Afganistán.

La exhibición fue realizada por la curadora independiente Leeza Ahmady, Murat Orozobekov y Edward Winkleman. En ella se examina un conjunto de trabajos nuevos que emergen con fuerza en esta región, a menudo ignorada por el resto del mundo. Desde la increíble aclamación de los críticos para el primer Pabellón de Asia Central en la Bienal de Venecia 2005, compuesto por artistas contemporáneos de Afganistán y de las ex repúblicas soviéticas de Tajikistán, de Uzbekistán, de Kazakhstán y de Kyrgyzstán, se ha incrementado la atención de los curadores, museos y galerías occidentales hacia los artistas contemporáneos de esta región. La mayor parte de la reciente atención se centra en los extraordinarios trabajos de videos mono-canales y multicanales producidos en esta área, hecho que es a menudo atribuido a la persistencia de la antigua tradición local de narración de cuentos, teatro callejero y elaboración de tejidos.

I Dream of the Stans reunió los trabajos de siete de los artistas (y de los equipos) más importantes del área: Vyacheslav Akhunov (1948), Rahraw Omarzad (1964), Almagul Menlibayeva (1969), Jamshed Khalilov (1962), Gulnara Kasmalieva (1960) y Muratbek Djumaliev (1965), Said Atabekov (1965), Julia Tikhonova (1978) y Rustam Khalfin (1949).

Conocido por elaborar instalaciones de video multi-canales (incluyendo una pieza de 5 canales recientemente curada por el Instituto del Arte de Chicago), el equipo compuesto por los esposos Muratbek Djumalie y Gulnara Kasmalieva (Kyrgyzstán) presenta una pieza mono canal del 2006 : Algo sobre nomadismo contemporáneo, en la cual se presenta a un flujo constante de pasajeros de una línea aérea, aparentemente aburridos, que pasan por dispositivos de seguridad y que se someten despreocupados a lo que podría ser visto en otros ambientes como una búsqueda altamente invasiva. Guardias con guantes de goma palpan los cuerpos de los pasajeros, tocando sus piernas, partes posteriores de su cuerpo y torsos, mientras ellos parecen no percatarse del asunto.

En el video de Vyacheslav Akhunov (Uzbekistán) Limpiador el artista es visto limpiando meticulosamente con su cepillo de dientes las superficies de varios monumentos nacionales británicos en la ciudad de Londres. Akhunov era bien conocido por sus coterráneos como el “artista oficial contra-oficialista” durante la era soviética, ahora abordando ideas de una superioridad cultural, ya sea desde el punto de vista intelectual, espiritual o político. En sus videos, los sujetos repiten a menudo ciertas acciones o gestos de acuerdo a cierto patrón circular: de arriba a abajo, de un punto a otro, o solamente moviéndose alrededor, siendo todas reminiscencias de formas de meditaciones Sufistas . En Limpiador, Akhunov nos recuerda que quizás nuestras ideas sagradamente guardadas sobre cultura y su producción necesitan una cierta forma de limpieza o rediseño. Él anhela amplificar las nociones definidas y aligerar las autoridades establecidas para explorar los conflictos que son derivados de la cultura, la cual, en sí misma es subjetiva.

Rustam Khalfin (nacido en Uzbekistán y residente de Kazakhstán), como seguidor del vanguardismo histórico ruso, además profesor y teórico de las tendencias en arte y cultura contemporánea, ha desempeñado un papel integral en el entrenamiento de artistas más jóvenes. En su video titulado Bárbaros norteños, parte II: Amor de Razas, en el cual Julia Tikhonova le colabora, un par de jóvenes están haciendo el amor desnudos a caballo mientras que cabalgan a través de un desolado bosque. Inspirado por dos series de acuarelas de los siglos XVIII y XIX (encontradas en el libro “Eros Chino”) reinterpreta las escenas de amor que en él se encuentran. El término “bárbaros norteños” es una referencia al grupo de individuos de la antigua China denominada los vagabundos salvajes que eran “felices” por estar apartados de la gran muralla China. El video es la reconstrucción de la manera antigua de hacer el amor en una región conectada a su pasado y a su espíritu nómada. Considerada una obra maestra, esta pieza muestra como la mente del pintor Khalfin hace corresponder su vigor conceptual con lo contextual.

Dos artistas con exhibiciones internacionales, también provenientes de Kazakhstán, son Almagul Menlibayeva y Said Atabekov, quienes tratan los procesos para cambiar y reformar a Asia Central con una focalización en las mentalidades y los puntos comunes del continente. Said Atabekov es un miembro fundador del equipo influyente “Kizil Traktor” (tractor rojo). En su video Paraíso de neón, el artista se viste bajo la firma singular de derviche (miembro de una hermandad religiosa y ascética sufista.) Su atuendo es una curiosa mezcla de objetos, materiales y complementos absurdos, incluyendo un viejo jarro militar soviético para el agua. Lo vemos sentado con una pose absurda, arrodillado en una especie de posición de rezo, inclinando su cabeza repetidamente hacia una puerta automática doble de cristal que continúa abriéndose y cerrando mientras él se mueve. No está claro si las puertas se abren en un edificio corporativo, un mercado moderno, o una universidad. Lo que está claro es que de esta forma noble y abierta, el artista deconstruye realidades contemporáneas tales como decadencia económica y decadencia ambiental, así como el delirium tecnológico globalizador y totalitarista al que hemos sido conducidos.

Almagul Menlibayeva se le conoce como la artista experimental que trabaja simultáneamente en una variedad de medios tales como pintura, performance, instalaciones y videos. Ella, a través de sus videos, desarrolló magníficamente las múltiples dimensiones de lo que deseaba expresar sobre las prácticas de la belleza, de la decoración, los rituales y la espiritualidad. Su preocupación primaria en la mujer y su papel en cuanto a orígenes pre-soviéticos, pre-Islámicos e incluso chamanísticos y derviches , se muestra en su video Jihad.

Rahraw Omarzad, artista y profesor de la universidad de Kabul, creó el Centro para el Arte Contemporáneo de Afganistán (CCAA). Es el autor conceptual de la pieza de video Abertura, en colaboración con sus estudiantes y miembros de CCAA. En el CCAA, Omarzad ha estado trabajando activamente con los artistas jóvenes en un esfuerzo de fomentar su sentido de la independencia y de la individualidad. La re-educación es por lo tanto una constante, no sólo en la reevaluación del arte y de su creación, sino en la representación visible de las disímiles verdades que se entierran debajo de las innumerables ediciones manufacturadas que se hacen en los medios sobre Afganistán. En este video, una pantalla oscura y un constante sonido que golpea ruidosamente, dan paso lentamente a los chispeantes ojos de una mujer bajo su “chadori”. Alguien del exterior corta una capa de tela en frente de la mujer cubierta por un velo, pero en vez de intentar salir o cortar su velo con la tijera, ella opta por bordar un diseño floral hermoso y colorido con sus manos sensuales enjoyadas y pintadas. La obra es un gesto poético hacia el papel creativo de la mujer en el mundo según le fue asignado a ella por su naturaleza, y cómo los temas de la libertad y la limitación son relativos a actitudes internas de ellas, sin importar cuan terrible sea su imagen externa.

Jamshed Khalilov representó a Tajikistán en el Pabellón de Asia Central en Venecia en 2007. En su encantadora pieza Paradas de autobús, cada imagen, en una serie de fotografías de las estructuras abundantemente decoradas que abrigan a los que viajan por los países de Asia Central, parece detenerse momentáneamente y de modo abrupto se hacen a un lado, como si simulasen los movimientos de parada y arranque de un autobús durante su ruta. Combinando motivos soviéticos con temas y patrones arquitectónicos antiguos e islámicos, cada parada de autobuses es una declaración artística única aunque cumple también con una función pública. Algunas veces fantásticas (Una de ellas tiene la forma de un sombrero tradicional usado por lugareños), algunas veces simplemente bellas, estas nostálgicas estructuras que se levantan como oasis de expresión, acentúan los caminos que de otra manera parecerían desolados.

El programa Marte Contemporáneo, antes conocido como Intervenciones, es patrocinado por Mario Cáder Frech y cuenta desde este año con el apoyo del Comité Marte Contemporáneo, que reúne a un grupo de entusiastas jóvenes, quienes realizarán diversas actividades con este fin.

Actualmente, las bases del programa Intervenciones se están retroalimentando para implementarlas en el año 2009, ya como Marte Contemporáneo. En el presente año, dentro de este programa, se realizarán exhibiciones de artistas internacionales y nacionales mediante invitación. Texto e imágenes: Galería Winkleman, Nueva York Traducción de texto: colaboración de Rebeca Alfonso Fernández